Muestra antológica de Maruja Mallo

La presente exposición se plantea como una exhaustiva retrospectiva de la trayectoria de Maruja Mallo (Viveiro, 1902-Madrid, 1995). En total, cuenta la muestra con más de un centenar de obras, procedentes de distintas instituciones públicas y privadas, así como una amplia serie de préstamos particulares.

Maruja Mallo fue pionera fundamental de la vanguardia española del primer tercio del pasado siglo y artista estrechamente ligada a los grandes protagonistas de la generación del 27 (Alberti, Lorca, Dalí, Buñuel, Miguel Hernández), así como a la etapa de anteguerra de la Escuela de Vallecas o al Grupo de Arte Constructivo impulsado por Torres García en el Madrid de los años treinta. Su obra tuvo asimismo un extraordinario desarrollo en la etapa del exilio bonaerense, en una fecunda andadura creativa que cerrará con las obras realizadas tras su retorno a España.

El extraordinario desarrollo experimentado por los estudios en torno a su figura en el curso de los quince últimos años, así como las numerosas obras fundamentales, que se encontraban en paradero desconocido, y que han sido localizadas de nuevo a lo largo de ese mismo periodo, entre ellas La mujer de la cabra, Dos mujeres en la playa y El Espantapájaros, que perteneció a la colección de André Bretón, así como buena parte de los retratos bidimensionales, Naturalezas vivas y Máscaras, hacen posible plantear un balance mucho más riguroso y preciso de la andadura creativa de la artista.

La muestra, comisariada conjuntamente por Fernando Huici March y Juan Pérez de Ayala, pretende establecer un detallado recorrido de la trayectoria de Maruja Mallo, centrado tanto en su pintura, como en el dibujo o los bocetos que revelan la génesis del proceso creativo, en un itinerario expositivo que, a través de fotografías y publicaciones de época, propondrá paralelamente un minucioso acercamiento documental a su biografía.

Donde: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando . C/ Alcalá, 13. Madrid.

Cuando: Del 27 de enero al 4 de abril de 2010.

Horario: Martes a sabados: 10 a 14 y 17 a 20 h. Domingos y festivos: 10 a 14 h.
Entrada gratuita.
Visitas guiadas gratuitas: Martes a las 11:00 h. y jueves a las 17:00 h

Petite Mort, la sonrisa de Tánatos

Con este certamen se lanza una mueca a la exposición “Lágrimas de Eros” del Thyssen, unas lágrimas que manan del íntimo y trágico encuentro entre Eros y Tánatos: amor- sexo y muerte.

“Petite Mort” es la idea sobre la que han trabajado las comisarias y artistas de esta muestra, decididos a crear un potente bis a bis entre estas dos figuras mitológicas –Eros y Tánatos- que representan fuerzas tan potentes como la pulsión sexual y el instinto de muerte.


El edificio del antiguo prostíbulo de Ballesta que acoge esta exposición se convierte en un motivo más de la muestra, su oscuro y estrecho pasillo y sus doce pequeñas habitaciones, someten al espectador a un ambiente más que propicio para sumergirse en uno de los temas más recurrentes de toda la historia del arte.

Seis artistas de muy diferentes disciplinas, nos interpretan el enfrentamiento entre el miedo más angustioso del hombre y su lado más animal en las distintas estancias de este burdel donde la madame se llama Morfeo: Jorge Gonzalo (actor), Ana Belén Jarrín (fotógrafa), David Latorre (artista plástico), Queralt Lencinas (videoartista), Achero Mañas (cineasta), Linda de Sousa (artista plástico) y Alejandro Stock (artista plástico).

El certamen se completa con un catálogo que incluirá textos de presentación del escritor Juan Malpartida y del crítico de arte Julio Serrano, comentarios del director de cine Sigfrid Monleón y fotografías de las obras y entrevistas de cada uno de los artistas.

Exposición “Petite Mort, la sonrisa de Tánatos”:
Días: 21 a 31 de enero.
Horario: día 21 inauguración 19.30.

De martes a viernes de 17.00 a 21.00h, sábados y domingos de 12.00 a 15.00 y de 17.00 a 21.00h.
Lugar: La Maison de Lanterne Rouge, Ballesta, 4.

Pierre Gonnord. Terre de personne.

Esta muestra presenta la obra del artista Pierre Gonnord (Cholet, Francia, 1963), uno de los principales exponentes de la práctica del retrato fotográfico en la actualidad. Durante los últimos doce años Pierre Gonnord ha realizado retratos individuales de diversos colectivos en los que ha primado la singularidad del rostro y la mirada de la persona elegida y contemplada. El retrato, género predilecto de la fotografía, es el espacio único que ha utilizado Gonnord durante todos estos años, para acercarse a diversas comunidades de personas con rasgos compartidos. De esta manera, al fotografiar a un individuo es capaz de fotografiarlo en su doble dimensión de persona y de ser perteneciente a un clan o a un grupo.

Este proyecto consta de 37 fotografías inéditas, 19 retratos y 18 paisajes: género este inexplorado hasta el momento por Pierre Gonnord y han sido producidas en 2009, ex profeso para esta exposición. Como complemento a la muestra se podrá contemplar también un proyecto videográfico que contiene dos entrevistas al artista, una realizada por el comisario de la exposición, Rafael Doctor Roncero, en la que profundizan en el contenido de esta exposición y otra del Director del FRAC Auvergne -Clermont-Ferrand, realizada con motivo de su exposición en 2008.

El viento, el sol, la lluvia, el sudor, el trabajo, las estaciones, el orden intrínseco a la producción agrícola y minera, la constante actividad a la intemperie, el apego a la tierra, su lucha con y contra ella y sobre todo el tiempo, son los elementos que han forjado cada uno de estos paisajes y rostros. Rostros en los que ha actuado el espacio, de manera que han hecho que Pierre Gonnord amplíe el campo de su mirada en una exploración que sigue siendo la misma: la condición humana.

Sala Alcala 31

C/ Alcala, 31

De martes a sábado: De 11:00 h. a 20:30 h.

Domingos, 24 y 31 de diciembre de 11:00 h. a 14:00 h.

Rodchenko . Revolución en la mirada

Esta retrospectiva se compone de 125 fotografías realizadas por Aleksander Rodchenko entre 1920 y 1940. Un recorrido por su obra que muestra la incesante experimentación del artista y su defensa de los nuevos caminos de la fotografía.

Conocido como el revolucionario y pionero de la perspectiva, Rodchenko (1891-1956) fue líder del constructivismo, el último gran movimiento de vanguardia del S. XX. La muestra de la Fundación Canal procede del Museo Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Francia), donde se conservan gran parte de las fotografías más representativas del artista ruso.

Comisariado: Littmann Kulturprojekte

Ver video exposición

En la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II
C/Mateo Inurria 2
Entrada libre.
Horario.
Lunes a domingo de 11:00 a 20:00 h
Miércoles de 11:00 a 15:00 h.

Nubes de un cielo que no cambia

Desde el 24 de noviembre hasta el 21 de febrero, las salas Fida Kalho y Diego Rivera de la Casa de América acogerán este proyecto combinado de fotografía y poesía.

Las 54 imágenes de Ricky Dávila que componen esta muestra se completan con los versos del joven poeta de Pereira, Dufay Bustamante. El trabajo de Ricky Dávila se ha caracterizado por una fotografía en blanco y negro, y por una impactante utilización de la luz. Sus imágenes nunca dejan indiferente al público.

Sus imágenes neutras son la representación de situaciones de calma y estados de extraña armonía en sus personajes, mostrando imágenes que inquietan por su fragilidad y por su atemporalidad.

Nubes de un cielo que no cambia reinterpreta la ciudad de Bogotá presentada como un teatro de operaciones en el que la visión de fotógrafo y poeta crea una nueva geografía urbana en la que la capital colombiana sirve de coartada para la metáfora, visual y escrita, en un viaje de introspección de ambos autores.

Casa de America.

Del 25 de noviembre de 2009 al 21 de febrero de 2010

Horario: Lunes a sábado de 11:00 a 20:00 h.
Domingos y festivos de 11:00 a 15:00 h.

Feria de Jovenes Diseñadores

Feria de Jóvenes Diseñadores en

LA BOCA ESPACIO DE CULTURA

C/ Argumosa 11, Lavapiés

Jueves 3: 19H a 23H
Viernes 4: 19H a 23H
Sábado 5: 12H a 23H
Domingo 6: 12H a 22H

Feed, de Kurt Hentschlager

"Asistir a FEED no es recomendable bajo ninguna circunstancia y puede de hecho ser peligroso para cualquiera con un historial personal o incluso familiar de la llamada epilepsia fotosensible"

Este es uno solo de los parrafos informativos de los riesgos que se asumen y que es necesario firmar antes de asistir a FEED, una performance inmersiva de Kurt Hentschläger en la que en su segunda parte estaremos sujetos.

Pese su agresividad con el espectador, en la que el campo de visión se llena completamente con parpaedo estreboscobico mediante la combinación de flashes y humo (literalmente estaremos sumergidos en humo) el artista pretende ponernos en la piel del personaje de un videojuego Shoot 'em up (Videojuegos de disparos en primera persona), cuya agonia habremos visto en la primera parte del espectáculo.

No se si lo consigue, pero seguro que no dejará indiferente a nadie, porque desde luego te sumergirá en un viaje casi psicotrópico sin necesidad de sustancias químicas.

Solo tres días en Madrid, dentro del Festival de Otoño. (dossier en Pdf)

27, 28 y 29 de Noviembre en La Casa Encendida.